Dem in Wien lebenden Komponisten PIERLUIGI BILLONE wird heuer im Rahmen von Wien Modern der Erste Bank Kompositionspreis verliehen. Die Jury, bestehend aus Gerd Kühr, Christian Scheib und Peter Paul Kainrath, begründet die Entscheidung folgendermaßen: „Sein Werk entsteht abseits einer anlassbezogenen Kulturindustrie und ist Ausdruck eines tief empfundenen Müssens, das sich in kein Korsett zwingen lässt. Ein genuines Interesse – im Dialog mit den jeweiligen Interpret:innen – für das Ausloten instrumentaltechnischer Grenzen, ein weltoffener Blick sowohl für außereuropäische Kulturen als auch für außermusikalische Kunstdisziplinen spiegeln sich im Oeuvre kongenial wider. Er steht für ein Künstlertum, das rar geworden ist.“ Michael Franz Woels hat PIERLUIGI BILLONE ein paar (Nach-)Fragen zu Themen, die den eigenwilligen Komponisten beschäftigen, gestellt.
Sie haben einmal gesagt, dass die Beschäftigung mit den Filmen von Andrei Tarkowski einen großen Einfluss auf Ihre Arbeit hatte. Wie kam es dazu? Beziehen Sie das auch auf das Buch „Versiegelte Zeit“, in dem er über Kunst und Leben, über Regie, die Rolle des Schauspielers und des Publikums, über Kameraführung, Musik, Schnitt und Drehbuch schreibt?
Pierluigi Billone: Wie er selbst gesagt hätte, ist es unmöglich, diese Aspekte des Menschen von der konkreten Realität seiner Arbeit zu trennen. Das Werk von Andrei Tarkowski war und ist für uns alle eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration, Reflexion, spirituellen Kraft und Sorge um die Menschheit und zweifellos ein Beispiel für Hingabe und Beständigkeit in Leben und Werk. Ich erinnere mich noch an ein Fernsehinterview, das er 1983 in Italien gab – er lebte damals im italienischen Exil –, in dem er den Film „Nostalghia“ vorstellte.
Ich habe seine Filme eingehend studiert, sie dekonstruiert – Ende der 1980er Jahre war es nicht einfach, an Videos der Filme zu kommen –, sie geduldig in eine Art technische „Partitur“ transkribiert, die ich noch heute aufbewahre, und versucht zu verstehen, was die Realität dieser Werke ermöglichte. Es war ein extrem langsamer, langwieriger Prozess, den ich heute, beispielsweise dank der posthumen Veröffentlichung von Dokumentarfilmen über seine Arbeit an Filmsets, noch besser verstehe.
Durch diese Studien lernte ich, mich auf die Objekte meiner Aufmerksamkeit zu konzentrieren und mir ihre mögliche Entwicklung vorzustellen, nach Prinzipien, die ich für notwendig hielt, die ich aber in keinem mir damals bekannten musikalischen Beispiel finden konnte. Offensichtlich führte mich dieses lange, eingehende Studium – nur scheinbar technisch – zu einer noch engeren Verbindung mit seinem gesamten Werk. Ich konzentrierte mich insbesondere auf die Filme „Stalker“ von 1979 und „Nostalghia“ von 1983.
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Die Dimension der Solomusik bietet Ihrer Meinung nach – gerade aufgrund der „realen Bedingungen“, unter denen sie stattfindet – die größte Chance, Interpret und Zuhörer zu vereinen und die Rollenunterschiede nahezu aufzuheben. Ist das für Sie noch immer von grundlegender Bedeutung?
Pierluigi Billone: Sicherlich und mit zunehmend größerer Überzeugung. Die intime und gesammelte Dimension der Solomusik – oder Musik für wenige Interpreten – ist sicherlich eine Voraussetzung, die das Erleben von Klang als „Kommunion“ ermöglicht. Es bleibt die Grundlage meiner Klangpraxis.
Das echte Klangerlebnis, das im direkten, intimen, fast verbindenden Kontakt der Solomusik entsteht, erscheint mir heute umso notwendiger und unverzichtbarer, da die Beziehung zum Klang völlig verkommen ist. Das betrifft vor allem den Hörer. Für den Komponisten ist es die Möglichkeit, eine besondere individuelle Freiheit zu erfahren: die Fähigkeit, weit zu gehen.
Unter idealen Bedingungen, frei von jeglichen externen beruflichen Verpflichtungen, kann und muss ich nur auf der Grundlage der Grenzen entscheiden, die ich selbst für notwendig halte. Und vor allem habe ich die Freiheit, über die Grenzen hinauszugehen, die ich mir selbst gesetzt habe.
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Ein dissipatives Nichtgleichgewichtssystem ist ein offenes System, das sich im Ungleichgewicht befindet und Energie und Materie mit seiner Umgebung austauscht. Diese Systeme sind auf einen konstanten Energiefluss angewiesen, um sich zu organisieren und stabile Strukturen zu bilden, wobei Energie irreversibel umgewandelt, also dissipiert wird. Beispiele hierfür sind lebende Organismen, Wetterphänomene oder Volkswirtschaften, aber, wie ich glaube, auch Ihre Kompositionen. Können Sie diesen Vergleich nachvollziehen?
Pierluigi Billone: Ich weiß ehrlich gesagt nicht genau, was ich darauf antworten soll. Ich identifiziere mich lieber mit diesen Worten, die Pier Paolo Pasolini Medea im gleichnamigen Film sagen lässt: „Ich bin geblieben, was ich war, eine Vase gefüllt mit Wissen, das nicht meins war.“
Sie haben einmal geschrieben: „Eine Frage kann sehr unterschiedliche Formen annehmen. Eine echte Frage erzeugt ein Hindernis, das Verständnis und ständige Aufmerksamkeit erfordert. Sie begrenzt einen Raum und ein Feld, markiert eine Grenze oder definiert eine bedeutende Lücke. Sicherlich verpflichtet sie dazu, einen Standpunkt einzunehmen oder aufzugeben. Eine echte Frage lädt zu einer Vision ein. Eine Frage läuft immer Gefahr, unbeantwortet zu bleiben oder ein lebenslanges Engagement zu erfordern.“ Welche Fragen ziehen als Komponist im Moment Ihre Aufmerksamkeit auf sich?
Pierluigi Billone: Ich wurde Komponist – von geschriebener Musik, für Interpreten, die sie öffentlich aufführen –, weil ich mit äußerster Klarheit spürte, dass die Platzierung des Klangs im Mittelpunkt der eigenen Arbeit und Existenz eine besondere Chance für Erkenntnis sein könnte, die nur durch Klang möglich wird. Ich glaubte daran und glaube immer noch daran.
Im Laufe all dieser Jahre ist mir klar geworden, dass Klang für die meisten Menschen, leider auch für viele Musiker, alles andere als eine Möglichkeit zur Erkenntnis darstellt. Schon der Begriff „Wissen“ erscheint, wenn er auf Klang angewendet wird, leer und bedeutungslos oder wird als typisches pseudointellektuelles Blabla interpretiert.
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„DIE LEERE, DIE ORIENTIERUNGSLOSIGKEIT UND DIE ECHTE UNRUHE, DIE ICH HINTER DIESER TAUBHEIT GEGENÜBER SOUND ERKENNE, SPRECHEN ZU MIR UND STELLEN MICH INFRAGE.“
Ich habe endgültig verstanden, dass das Klangerlebnis, das wir modernen Menschen haben, angesichts der Bedingungen unserer gegenwärtigen westlichen, materiellen Kultur absolut oberflächlich und irrelevant ist. Wenn dies zutrifft, ist die Möglichkeit von Wissen darüber, welcher Art auch immer, grundsätzlich ausgeschlossen.
Doch die Leere, die Orientierungslosigkeit und die echte Unruhe, die ich hinter dieser „Taubheit gegenüber Sound“ erkenne, sprechen zu mir und stellen mich infrage. Ich nehme das alles sehr ernst, wie ein Zeichen, das es zu entziffern gilt und das langsam zu einer Frage werden will. Es fällt mir immer noch schwer, die Frage zu formulieren, obwohl ich sie nah, offen und dringend spüre. Versuchen wir es.
Dass wir die Beziehung und Erfahrung mit Klang nicht mehr als Chance zur Erkenntnis wahrnehmen, bedeutet nicht, dass das tiefe Bedürfnis nach diesem Wissen verschwunden ist. Es bedeutet, dass wir nicht mehr in Beziehung zu ihm stehen, dass wir nicht mehr wissen, was er ist. Das ist ein spiritueller und existentieller Verlust. Umso bedeutsamer, weil wir ihn gar nicht als Verlust wahrnehmen.
Sind wir bereit, alles aufzugeben, was wir immer für Klang gehalten haben – was heute eine explodierte, degradierte und leere Entität oder ein digitales Objekt ist –, um einem Wissen, das wir verlieren, eine Existenzchance zu geben? Sind wir bereit, uns auf eine Tätigkeit einzulassen, die zunächst vielleicht nicht einmal mehr ein reales, definiertes Objekt hat? Und in welchem Ausmaß? Diese Worte sind absichtlich unklar, unbestimmt und mehrdeutig und müssen es auch bleiben. Vielleicht können sie nur diejenigen ansprechen, die wirklich nach etwas suchen.
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„Klang kann als Energie und Materie betrachtet werden“, war eine Feststellung von Ihnen und sie nannten in diesem Zusammenhang zwei Wissenschaftler, die grundlegende Raumkonzepte – auf Mikro- und Makroebene – entdeckten: Niels Bohr und Edwin Hubble. Beim Anhören Ihrer Kompositionen scheint es, als würden sie sich mit der Ausdehnung von Zeit und der Ausdehnung allgemeiner Strukturen befassen. Wie sind Sie in Ihren jüngsten Kompositionen mit Themen wie Raum, Leere und Dauer umgegangen? Auf empirische, experimentelle Weise?
Pierluigi Billone: Es ist durchaus möglich, einen Aspekt des Klanglebens als Gegenstand und Zweck eines Werkes zu nehmen und weiterzuentwickeln. Dabei müssen die anderen Aspekte jedoch an den Rand treten und zweitrangig bleiben. Das ist bei mir nicht der Fall. Mich interessiert ein umfassendes Klangleben, in dem alle Dimensionen stets aktiv sind und interagieren.
Daher zerlege ich in meiner Arbeit das Klangleben nicht unbedingt in Parameter, um diese einzeln bearbeiten oder im Nachhinein rekonstruieren zu können. Auf diese Weise konzentriere ich in meiner Arbeit weder mein Wissen über das Klangleben im Raum – real oder visionär – noch das rhythmische Gespür für die Dauer von Klängen. Dasselbe gilt für „Leere“ – ein in der Musik schwer zu definierender Begriff.
Ich denke und arbeite so: Dieser besondere Klang der Bassklarinette, pppp, isoliert am Rande des Raumes der Klangquellen. Die Quellen sind inaktiv und bewegungslos auf der Bühne und offenbaren so die Abwesenheit jeglicher willkürlichen Aktivität. Überschreitet die Dauer dieses Klangs den Atemrhythmus, den typischen Rhythmus des bisherigen Geschehens, den Rhythmus aller möglichen Interaktionen der anderen Quellen, wird dieser Klang zum momentanen Zentrum – in jeder Hinsicht – des Geschehens: Er ist Raum, Leere und Dauer, untrennbar miteinander verbunden. Der nächste Augenblick wird dieses momentane Gleichgewicht der Faktoren verändern.
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Sie schreiben einmal: „Wenn wir unsere Sensibilität und Auffassungsgabe öffnen wollen, müssen wir andere vokale Identitäten durchdringen. Wir müssen sie in den leeren Raum unseres Körpers führen“ und „Wir scheinen unsere alten vokalen Wurzeln zu verlieren, das Wissen um traditionelle, rituelle Lieder.“ Ist das Singen, das Erforschen und Experimentieren mit vokalen Einheiten für Sie als erfahrenen Komponisten noch wichtig?
Pierluigi Billone: Die Stimme eines jeden Menschen ist wie ein großes Buch, das sich jedes Mal auf ein paar Seiten öffnet, während die anderen darauf warten, gelesen und gesprochen zu werden. Oder, wenn Sie es vorziehen, ist sie wie ein Baum, der seine unterirdischen Wurzeln enthüllt. Mit jeder Begegnung mit einer Stimme erneuert sich diese Erfahrung, denn Leben und Kultur prägen und gestalten die Stimme weiterhin neu.
So kennen wir heute beispielsweise auch Stimmen, die in Tonbotschaften, in Aufnahmen – einst elektromagnetisch, heute digital – „versteinert“ sind, ja sogar völlig künstliche und in jeder Hinsicht falsche Stimmen. Die Stimme – der Körper – ist die Kontaktlinie, die Grenzzone, die uns mit der Außenwelt verbindet und trennt, offen und einem ständigen Austausch ausgesetzt.
Jeder stimmliche Akt, nicht nur das Singen – selbst eine Textnachricht –, oder jedes wesentliche unausgesprochene Wort ist daher ein zu entzifferndes Skript oder ein archäologischer Fund, der entdeckt und ans Licht gebracht werden muss. Daher gibt es meiner Meinung nach keine definitive Erfahrung der Stimme.
Der Verlust der westlichen Gesangs-, Volks- und Ritualtradition ist offensichtlich. Sie existiert heute nur noch auf wenigen alten Schallplatten. Das bedeutet, dass viele Kapitel des „großen Buches der Stimme“ nicht mehr existieren. Und in diesen leeren Räumen bilden sich wahrscheinlich Spinnweben …
„ES GIBT EINEN RAUM DER FREIHEIT, DER ABER ERST REAL WIRD, WENN WIR UNS DESSEN BEWUSST WERDEN. ES IST EINE ANSTRENGUNG DES VERSTEHENS, DIE JEDEM ZUR VERFÜGUNG STEHT, WENN ER DAS BEDÜRFNIS DAZU VERSPÜRT.“
„Ein musikalisches Werk beinhaltet bereits die Art des möglichen Hörens in sich. Ein musikalisches Werk schafft seinen möglichen Zuhörer. Es enthält bereits die Antwort auf die Frage, was Musik ist, was Klang ist, was Hören ist“, haben Sie einige Gedanken zum Erleben Ihrer Musik formuliert. Was bedeutet Bewusstsein im Bereich der zeitgenössischen Musik?
Pierluigi Billone: Das Werk eines Komponisten entsteht nicht aus dem Nichts; es ist tief in der Geschichte, im sozialen und beruflichen Kontext, in dem wir arbeiten, in der materiellen Kultur usw. verwurzelt. All diese Faktoren interagieren und beeinflussen in unterschiedlichem Maße unser Handeln und Denken. Sobald unser Werk öffentlich wird, hat es das Potenzial, selbst zu einem aktiven Faktor zu werden, der interagiert und beeinflusst.
Es ist möglich, sich einfach und gehorsam in diesen Aktivitätsstrom hineinziehen zu lassen und die Rolle und Orientierung zu akzeptieren, die uns das bestehende System bereits zugewiesen hat.
Oder aber auch zu versuchen, sich neu zu orientieren, um diesen Fluss zu verstehen, zu verlangsamen und, wenn möglich, seine Richtung zu ändern. Dazu müssen Sie sich lösen und Ihre Rolle in dem Bereich, in dem Sie tätig sind, überdenken. Dies ist sicherlich der erste notwendige Schritt. Es gibt einen Raum der Freiheit, der aber erst real wird, wenn wir uns dessen bewusst werden. Es ist eine Anstrengung des Verstehens, die jedem zur Verfügung steht, wenn er das Bedürfnis dazu verspürt.
Herzlichen Dank für das Interview!
Michael Franz Woels
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Termine:
Donnerstag, 6. November 2025, 19:00 Uhr
Wien Modern: Erste Bank Kompositionspreis: Pierluigi Billone
Wiener Konzerthaus: Mozart-Saal
Dienstag, 11. November 2025, 20:00 Uhr
Wien Modern: Carte Blanche à Pierluigi Billone
Musikverein: Gläserner Saal
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Link:
Pierluigi Billone
Pierluigi Billone (music austria Musikdatenbank)