„Streichelzoo“ (VÖ: 27.11.2026 bei Morinoko) klingt erst mal niedlich. Auf dem zweiten Album von BERGLIND folgt diesem Eindruck aber ein leichtes Unbehagen: Schon das Cover spricht in Ambivalenzen. In der Musik treffen poppige Melodien auf einen rauen Sound, und manche Songs nehmen sich Zeit, bei der Trauer zu bleiben und ihr nachzuspüren. Im Interview mit Ania Gleich spricht GIOVANNA FARTACEK, die als BERGLIND Musik macht, darüber, warum man sich so lange etwas gefallen lässt, wie schwer es sein kann, die Rolle der Unkomplizierten abzulegen, und warum ihr die Reaktionen auf „Streichelzoo“ trotzdem wichtig sind.
Beim Hören deines Albums hatte ich sofort eine Überschrift im Kopf: „Das Düstere im Leichten“. Schon das Cover und der Titel lösen bei mir ein gewisses Unbehagen aus, gleichzeitig hat die Musik etwas Leichtes. Wie entsteht dieses Verhältnis für dich?
Berglind: Ich finde es extrem cool, dass das bei dir so angekommen ist, weil ich glaube, dass es genau das ist, was ich als Berglind mache. Beim ersten Album war es noch nicht so leicht, da hat es noch nicht so abheben können. Die Themen sind ähnlich schwer, ähnlich ungemütlich, nur dass jetzt ein bisschen mehr an die Oberfläche kommen kann. Den Sound wollten wir natürlich auch weiterentwickeln. Ich glaube, man hört die Schwere noch. Das Album liegt für mich irgendwo dazwischen. Genau da will ich mich bewegen. Manchmal kippt man eher auf die eine Seite, manchmal auf die andere. Das ist ein Balanceakt. Ich ziehe mich thematisch oft selbst ein bisschen in ein Loch und muss mich dann wieder fangen. Da frage ich mich schon: Was will ich eigentlich sagen? Gehen sich Schwere und Leichtigkeit überhaupt in einem Song aus? Ist das inkonsequent? Ist das dann der rote Faden? Aber ich glaube, ich will genau diese Ecken und Kanten und trotzdem bei der Zärtlichkeit bleiben.
Das Album hat mich beim Hören immer wieder aus diesem passiven Modus rausgeholt. Auch der Albumtitel „Streichelzoo“ klingt erst einmal fast niedlich. Wenn man das Cover sieht und die Musik hört, bekommt das Bild etwas Beklemmendes. Wie bist du darauf gekommen?
Berglind: Man wächst ja mit dem Bild auf, dass ein Streichelzoo grundsätzlich etwas Liebes ist. Man geht hin, hat vielleicht seine ersten Begegnungen mit Tieren, darf sie angreifen und die lassen sich das gefallen. Im Idealfall. Eine bockige Ziege gibt es natürlich auch. Aber im Grunde ist das ein Ort, an dem man die Tiere angreifen darf, und es interessiert eigentlich niemanden, ob ihnen das egal ist oder ob es für sie eigentlich nicht passt. Ich habe in den letzten Jahren beruflich wie privat immer wieder Dinge erlebt, bei denen ich mir gedacht habe: Warum sage ich nichts? Warum lasse ich mir das gefallen? Das können ganz alltägliche Dinge sein. Warum wehre ich mich nicht? Warum lasse ich mich da fast mitstreicheln? So quasi: Sie sagt eh nichts. Sie ist genügsam.
Gab es ein Schlüsselerlebnis, bei dem dir das aufgefallen ist?
Berglind: Ich glaube, da gibt es ganz viele Ereignisse. Es hat auch Erlebnisse gegeben, bei denen es um Übergriffe gegangen ist. Aus heutiger Perspektive frage ich mich manchmal: Warum habe ich mich nicht gewehrt? Ich hätte mir in solchen Momenten oft mehr Wut gewünscht, mehr Stärke, dass ich mehr für mich selbst einstehe. Das kann ein sexueller Übergriff sein. Es kann aber auch sein, dass jemand sagt: „Nein, das passt schon so für die Giovanna.“ Oder: „Nein, das machen wir so.“ Da geht man davon aus, dass ich eh nichts sage. Das ist mir auch im Arbeitsalltag oft bewusst geworden. Und ich bin dann voll am Struggeln: Was passt denn überhaupt für mich? Wie kompliziert oder wie unkompliziert will ich sein? Das ist im Endeffekt ein großes FLINTA*-Thema. Je unkomplizierter, ruhiger und genügsamer man ist, desto besser kommt das in der Gesellschaft an.
Wolltest du dieses Thema bewusst auf dem Album verarbeiten oder hat es sich erst beim Schreiben herauskristallisiert?
Berglind: Wie tief das geht und wie sehr ich da eigentlich ausbrechen wollte, ist mir erst im Sommer nach der Fertigstellung der Songs klar geworden. Mario (Anm. Fartacek) lässt mich im Studio machen, und dann bin ich zwei Wochen nur am Einsingen. Wir schreiben die Songs gemeinsam, aber die Texte und das Einsingen mache ich meistens allein. Da bin ich wirklich nur in meinem Kopf. Wenn er sich das anhört, kann er den Texten dann oft Situationen und Ereignisse zuordnen, obwohl mir im Moment des Schreibens gar nicht bewusst war, dass es darum geht. Er kennt mich halt gut. Das ist eigentlich sehr phänomenologisch: Ich nehme mir selten ein Thema vor, über das ich schreiben will. Es kommt dann irgendwie raus.
Über den ganzen Prozess des Albums sind ja einige Jahre vergangen. Die ersten Singles habe ich schon 2024 veröffentlicht. Dann habe ich bis jetzt Pause gemacht, weil ich ein ziemlich einschneidendes gesundheitliches Ereignis hatte und 2025 deswegen das ganze Jahr nicht funktionsfähig war. Ich hatte etwas im Kopf und habe den Umgang mit Worten wieder lernen müssen. Auch beim Musikhören musste ich wieder schauen: Was macht Musik eigentlich mit mir? Für mich gibt es die Giovanna oder die Berglind vor diesem Ereignis und die danach. Ein paar Songs sind davor entstanden, ein paar danach. Wenn man so etwas erlebt, fragt man sich schon: Wie lange will ich da eigentlich noch mitspielen? Wie lange lasse ich mir das noch gefallen? Wann sage ich was? Das klingt jetzt vielleicht ein bisschen platt, aber man kann sein Leben jederzeit verändern. Wenn einem einmal wirklich bewusst geworden ist, dass in der Sekunde alles vorbei sein kann, gibt einem das schon zu denken. Mit wem gebe ich mich ab? Mit wem verbringe ich meine Zeit? Welche blöden Sprüche höre ich mir an? Zeit ist wichtig. Man soll selbst entscheiden, mit wem und womit man sie verbringt.
„MIR WAR JAHRELANG GAR NICHT BEWUSST, DASS ICH IN SO EINEM RADL DRIN BIN“
Du beschreibst ein Davor und ein Danach. Man hört ja immer wieder, dass einschneidende Erlebnisse einen dazu bringen, etwas zu verändern. Oft glaubt man es erst, wenn man es selbst erlebt.
Berglind: Das Traurige ist, dass es bei vielen Menschen offenbar genau so etwas braucht. Wir sind alle so gefangen in unserem Alltag, in unserem Social-Media-Game, in allem, was einem ständig suggeriert wird. Da ist man selten wirklich bei sich und sagt, ganz einfach: Das passt jetzt für mich oder das passt nicht. Mir war jahrelang gar nicht bewusst, dass ich in so einem Radl drin bin. Ich bin keine Unfallchirurgin, bei mir geht es beruflich nicht um Leben und Tod. Es geht darum, für das, was man macht, Ansehen zu bekommen. Man will gefallen. Und da sind wir wieder bei der Anpassung: Warum geht man zum Beispiel krank arbeiten? Weil man will, dass die Leute sagen: „Die hat wenige Krankenstandstage, auf die ist Verlass. Super, die ist immer da.“ Deswegen macht man es. Das kenne ich auch von mir. Wann gesteht man sich Schwäche ein?
Witzigerweise haben wir neulich erst in meiner Arbeit darüber geredet, wie selten man sich Arbeitskontext, Schwäche, im Sinne von psychischen Erkrankungen oder Trauerphasen, eingesteht und sich wirklich die Zeit nimmt, die man braucht.
Berglind: Genau darüber haben wir gestern auch in meinem Buchclub gesprochen! Ich finde es voll arg, dass es nach dem Tod eines nahestehenden Menschen keine eigenen Trauertage gibt. In Krankenstand gehen kann man schon. Bei mir bekommt man, glaube ich, einen Tag fürs Begräbnis. Den bekommt man quasi geschenkt. Ich glaube, gerade in einer Trauerphase kann man überhaupt nicht abschätzen, was einem jetzt guttut.
Ich höre auf dem Album verschiedene Rollen nebeneinander: die Liebe, die Schöne, die Unkomplizierte. Welche davon fällt dir besonders schwer abzulegen? Gibt es eine, die du vielleicht auch behalten willst, weil sie dich schützt?
Berglind: Ich glaube, ich habe mir zum Ziel gesetzt, alle drei abzulegen, weil ich sie alle unfassbar anstrengend finde. Mit jeder davon hatte ich in meinem Leben auf eine gewisse Art zu kämpfen. Vor allem mit diesem Schönheitsding und dem Körperbewusstsein. Das finde ich ganz schlimm. Aber auch die Liebe und die Unkomplizierte sind mühsam. Ich finde sie alle drei gleich schwer abzulegen. In manchen Situationen bin ich natürlich gern unkompliziert, weil es mir da auch nicht schwerfällt. Wenn etwas für mich passt, kann ich sagen: „Ja, easy“, weil ich es wirklich so spüre. Aber ich glaube, je mehr du dich in einer Gesellschaft anpasst, desto schneller passiert es dir, dass du gar nicht mehr merkst, wenn etwas für dich nicht mehr passt.
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Wo zeigt sich dieses Gefallenwollen in deiner Arbeit als Musikerin? Gab es bei diesem Album eine Entscheidung, bei der du bewusst mit einer Erwartung gebrochen hast?
Berglind: 2024 hatte ich noch ganz andere Erwartungen an meine Musik. Ich habe mir damals gedacht: Deutschpop muss so klingen. Ich habe wirklich versucht, meine Musik in so ein Gewand zu stecken. Okay, das ist Deutschpop, der funktioniert, probieren wir es mal in die Richtung. Das werde ich nie wieder machen. Im Endeffekt ist es mir eh nicht so gelungen, Gott sei Dank. Meine eigene Art, musikalisch und thematisch zu arbeiten, ist dann doch immer stärker rausgekommen. Ich bin extrem froh, dass es diesen zeitlichen Bruch gab. In der Zeit habe ich mir gedacht: Es ist scheißegal, ob das Album funktioniert. Die Musik, die ich mache, ist sowieso nicht so Mainstream, dass ich damit beim Streaming durch die Decke gehe. Ich wollte das Album einfach fertig machen. Je eigenständiger, desto besser. Ich hatte nicht mehr den Anspruch, dass es irgendwie funktionieren muss.
Für mich nimmt das Album ungefähr ab der Hälfte eine melancholischere Wendung. Da kommen mehr ruhige, balladenartige Stücke. Hat das mit dieser neuen Haltung zu tun?
Berglind: Schon, oh ja. Balladen oder einfach ruhige Songs, in denen es zum Beispiel um den Tod geht oder um eine Begegnung mit jemandem, den man verloren hat, verkaufen sich nicht gut. Ich glaube, eine Nummer auf dem Album dauert nicht einmal zwei Minuten. Die ist aber nicht so auf TikTok-Länge gekürzt. Wir haben einfach mit Songformaten gespielt. Weg von diesem „Der Song muss drei Minuten dauern, weil man ihn nur dann ans Radio pitchen kann“. Und dann gibt es eben diese ruhigen Nummern, die komplett ausreißen und dadurch eine gewisse Reibung erzeugen.
Auf dem Album geht es auch darum, sich weniger über Zustimmung zu definieren. Sobald du es veröffentlichst, gibt es wieder Rezensionen, Rückmeldungen und Zahlen. Wie gehst du damit um, dass diese Songs jetzt bewertet werden?
Berglind: Das ist die Verletzlichkeit, auf die man sich einlässt, wenn man Musik schreibt und sie veröffentlicht. Ich könnte ja sagen: Ich mache das nur für mich und bringe es nicht raus. Aber die Zustimmung ist mir schon wichtig, und dieses Gefallenwollen ist auch noch da. Sonst würde ich das Album nicht rausbringen und keine Promo machen. Ich würde mich schon freuen, wenn die Leute das hören und es etwas in ihnen auslöst. Mir ist es aber lieber, es eckt irgendwo an oder jemand sagt: „Boah, na, das catcht mich gar nicht“, als dass es den Leuten wurscht ist. Gleichgültigkeit wäre für mich das Schlimmste. Und dieses Risiko gehe ich halt ein.
„WIR SCHREIBEN POPSONGS UND PACKEN SIE DANN IN EIN GANZ EIGENES GEWAND“
An manchen Stellen treffen auf dem Album sehr poppige Melodien auf einen ziemlich rohen Sound. Wie entsteht dieser Kontrast bei euch?
Berglind: Beim Songwriting läuft es bei uns eigentlich fast immer gleich ab. Wir starten meistens mit einem programmierten Beat und legen Akkorde oder Pad-Sounds drüber. Damit ist die Stimmung schon ein bisschen vorgegeben. Man weiß zumindest, ob es ein Uptempo-Song oder eine Ballade wird. Das Coole ist, dass wir versuchen, den Song erst einmal in diesem Rohzustand zu lassen, bevor wir ihn ausproduzieren. Die Melodie, die ich drübersinge, muss auch allein mit den Klavier- oder Gitarrenakkorden funktionieren. Da sind wir beim Songwriting schon relativ klassisch, mit Strophe, Bridge und Refrain. Damit schränkt man sich natürlich auch wieder ein. Ich könnte genauso sagen: Ich scheiße auf Songstrukturen und mache nur Sieben-Minuten-Songs wie Nine Inch Nails. Dann ist es mir wurscht, ob man da einzelne Parts zuordnen kann. Aber unser Grundgedanke ist schon: Wir schreiben Popsongs und packen sie dann in ein ganz eigenes Gewand, mit Pad-Sounds oder indem wir etwas samplen. Dabei haben wir immer im Hinterkopf, dass wir all diese Elemente wieder wegnehmen können und der Song trotzdem noch steht. Das beschreibt diese Ambivalenz vielleicht auf technischer Ebene ganz gut. Da gibt es den Klaviersong, bei dem eigentlich sehr wenig passiert. Und dann gibt es einen, bei dem du dir denkst: Okay, was kommt jetzt noch dazu?
Wie entscheidest du beim Schreiben oder Einsingen, wo ein Song zart bleiben darf und wann er ausbrechen muss?
Berglind: Als wir nach der Pause wieder angefangen haben, habe ich gemerkt, dass ich die Songs und Skizzen von davor ganz anders bewertet und beim Einsingen anders gefühlt habe. Ich hatte schon Gesangstakes, habe sie aber danach alle noch einmal in einem Guss eingesungen, weil ich gemerkt habe: Die Stimmung ist jetzt eine ganz andere. „Mega Culpa“ gab es zum Beispiel schon vor der Pause. Der Song lehnt sich ein bisschen an Deutschpop an. Das habe ich dann gar nicht mehr gefühlt und mir gedacht: Wie bringen wir den Song jetzt wieder in die Richtung? Das geht schon viel über die Stimme und die Stimmung beim Singen. Wenn der finale Text steht und ich in das Gefühl reingehe, passiert das eigentlich recht intuitiv. Die ersten Songs, die ich nach der Pause wieder eingesungen habe, haben mich selbst so berührt. Da habe ich gemerkt: Jetzt kann ich wieder in dieses Gefühl reingehen, in das ich lange nicht reingehen konnte.
Im letzten mica-Interview hast du gesagt, dass du dich mit deutschen Texten angreifbarer machst. Welche Rolle hat die Sprache diesmal gespielt?
Berglind: Ja, voll. Mit Mynth habe ich immer auf Englisch geschrieben. Ich habe lange gedacht, ich schaffe das auf Deutsch nicht. Ich dachte, man muss wahnsinnig belesen, sprachbegabt und gescheit sein. Es gibt deutschsprachige Texte und Künstler:innen, die mir damals alle unantastbar vorgekommen sind. Im Endeffekt ist das aber manchmal auch ein bisschen, entschuldige den Ausdruck, eine Hirnwichserei. Ich habe mir dann einfach gedacht: Ich probiere es halt und schreibe über das, was mich bewegt. Wer sagt mir, was richtig oder falsch ist, was gut oder schlecht ist? Ein Text kann einen ansprechen oder abholen, oder halt nicht. Was ich nicht wollte, war, dass es platt ist.
Hat sich seit dem ersten Album verändert, ab wann du dich mit einem Text angreifbar fühlst? Traust du dich heute Dinge zu schreiben, die damals keinen Platz gehabt hätten?
Berglind: Beim ersten Album habe ich schon sehr viel zerdacht. Das ist wieder so eine Ambivalenz, die sich, glaube ich, durch mein Leben zieht. Ich habe beide Seiten in mir. Einerseits dieses „Wurscht, scheiß drauf, einfach machen“ und gleichzeitig dieses voll Verkopfte, dieses Zerdenken. Gerade beim zweiten Teil dieses Albums habe ich mir dann gedacht: Ich habe jetzt schon viele Songs auf Deutsch geschrieben, ich weiß ja, was ich sagen will. Und es kommt halt so aus mir raus. Ich brauche dafür keinen Literaturnobelpreis. Im Idealfall berührt es jemanden.
Wir haben viel über Veränderungen gesprochen, die mit dem Album ja weitergehen. Wie gibst du diesem Unabgeschlossenen in einem Song eine Form?
Berglind: Damit spiele ich tatsächlich gern ganz bewusst. Ich erzähle meine Geschichte, meine Sicht der Dinge, gebe meine Gefühlswelt preis und möchte dabei trotzdem vieles offenlassen. Interpretationsspielraum ist mir wichtig. Ich will, dass die Leute beim Hören vielleicht ihre eigene Geschichte hören und sich dadurch mit der Musik und dem Text identifizieren können. Dafür muss es, glaube ich, ein bisschen offenbleiben. Wenn du den Kreis gleich schließt, steht das halt so da. Man kann sich bei einem Song wieder verlieren und beim übernächsten wieder reinfinden und sich denken: Ah, vielleicht schließt es sich erst da.
Wenn du das Album jetzt hörst, wo erkennst du darin die Person, die du lange sein wolltest? Und wo überraschst du dich selbst?
Berglind: „Game Over“ und „Let Go“ sind jetzt ein bisschen aufgelegt bei der Frage, aber es ist schon so. Da geht es um Situationen, die ich mir lange vielleicht schöngeredet habe, in denen ich anders sein wollte oder mich angepasst habe. Und es hat wahrscheinlich echt lang gebraucht, bis ich mir eingestehen konnte: Okay, das ist es nicht. Das kann man auf Beziehungen, Freundschaften oder Arbeitsbeziehungen umlegen. Es dauert unterschiedlich lang, bis man sich etwas eingestehen kann. Das hat ja auch mit Gewohnheit und der eigenen Komfortzone zu tun. Sich für Neues zu öffnen, kann Angst machen. Diese Facette steckt auf jeden Fall in beiden Songs. Überrascht hat mich „In einem Waldstück nass vom Regen“. Ich befasse mich seit meiner Kindheit mit dem Tod. Das ist für mich ein sehr präsentes Thema und hat für mich auch andere Seiten als die Angst. Ich spreche gern darüber, lese viel dazu und schreibe auch gern darüber. In diesem Song habe ich meine Gedanken dazu zum ersten Mal nach außen getragen. Ich zeichne das Bild einer Begegnung mit jemandem, der nicht mehr da ist und den ich hoffentlich irgendwann wiedersehe. Am Ende hat es mich schon überrascht, dass ich diese Hoffnung, dass es noch etwas gibt, so offen teile.
Danke fürs Gespräch!
Berglind: Danke dir für die Zeit.
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Ania Gleich
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